论水墨画里的艺术韵味，世界名画里性感撩人的美少女，美的宛如天仙

据画史所记，水墨画的真正起始，是唐代的殷仲容。“他‘用墨色，如兼五彩’，以墨色的浓淡变化取代色彩来表现人物和花鸟。” 宋代以后，水墨画收到文人画家的钟爱，逐渐取代色彩画从而成为画坛的主流。越来越多的画家诸如王维、郑虔、项容等开始使用水墨进行创作，为中国画开拓了新的境界。

如果说西洋画是“再现”的艺术，那么中国画就是“表现”的艺术。中国画并不只是宣纸上的点染勾勒，中国画是要表现“气韵”、“境界”、实际上是一个系统的思想集成最终的表现。意、识、灵齐备，诗、书、画一体。诗为画之意，书为画之骨。技法之熟，可呈胸臆；画面之外，可留思想，这也是判断中国传统书画作品艺术价值搞下的实质所在。“得笔法易得墨法难，得墨法易得水法难。”

中国画历来讲究“以形写神”、“形神兼备”，表现任何物象，形似仅仅是手段，神似才是目的，古代为人画像，称作“传神”，齐白石笔下的青蛙、虾、小鸡等小动物，使人看了感到生动活泼，有稚拙的童趣，妙在似与不似之间，潘天寿作品中的泼墨荷叶，用大面积的墨汁挥泼而成，酣畅而凝重、效果整体而又有小的变化，给人以雄润、沉重、稳定的感觉。

水墨画的笔墨之韵，笔墨是中国绘画艺术的表现手法，笔与墨互相为用，一笔下去既有笔又有墨，每一个笔触都可以为一个基本造型单元，笔墨具有独立的审美价值。

意境是中国传统水墨画的精髓，凝聚着中国传统水墨艺术的根本精神，是绘画作品追求的最高境界。在中国传统水墨画创作中，画家不是对客观事物进行简单的描摹，也不是进行主观意念的随意拼凑，靠的是描绘富有生命力和感情的形象，在有限的空间中去表现无限的感情。

水墨画在构图上讲究经营位置，不拘泥于某个固定的时间或者空间，而是根据画家的内心感受和实际需要，打破时空限制，把不同时空中的景物融入自己的画面，营造出画家心目中的时空境界。水墨画的构图讲究虚实对比，虚中有实，实中有虚，讲究“疏可走马”、“密不透风”。也可以省略环境描写，大胆留白，给读者留下无限遐想。在透视上，水墨画不拘泥于焦点透视，采用“散点透视”法，观景取物，具有很大的自由度和灵活性。中国传统水墨画利用墨在宣纸上独特的晕染效果，传达出了形式美和情感。

在中国传统水墨画的构图中，规律性和辩证法都是十分重要的，水墨画构图要运用对立统一规律，体现在形式上有宾主、呼应、远近、虚实、疏密、聚散、开合、藏露、均衡、黑白、大小等关系。对立是变化的，统一是均衡的，应把这些对立的关系统一均衡在画面之中，才能完成一幅好的构图。“传统的山水画构图多取U形、M形或S形，往往山水相连，峰峦叠嶂，岚气悬浮于山腰，溪流盘旋于山脚。”

水墨画的形制有多种，总体上分有手卷、条幅、中堂、条屏、横批、圆扇、折扇、册页、斗方、框裱等。基于亿生活方式的特点，最早供人欣赏的可移动的绘画作品是像简册和书卷一样的长条，平时卷起来存放，观看时打开，从右往左逐段欣赏，称为“卷”或“手卷”，它适合一两个席地而坐的人在案头欣赏。随着垂足坐取代了席地坐，人们的视点升高了，挂在墙上的较大的作品形制――“轴”或“立轴”适应了新的生活方式，装饰美化着变高变大了的室内空间。

水墨画中黑白世界的诞生和确立，说明了它从萌芽到逐步成熟，一直在承受着儒道两种审美观念的侵染。“儒家的‘智者乐水，仁者乐山’和道家的‘无为而为’、‘澄怀观道’的美好精神，曾经给与古人以莫大的启示，古人正是就生命本身来体味宇宙的节奏，然后才得以构建具有独立的审美价值的绘画作品。”

水墨画在今天已经无法只用一种媒介，一种文化，一个画种可以涵盖的了的。也不可能再只用“墨分五色”、“气韵生动”概括当代水墨画的境界及品质。在20世纪之后，水墨作为画种的时代被我们终结。我们从传统走向现代，从“水墨画”走向“水墨”，走向当代。